Театр эпохи Возрождения
В эпоху Возрождения, родиной которого была Италия, наблюдается подъем в большинстве видов искусства. Поскольку религиозные основы слабели, это существенным образом отразилось на европейской культуре - в ней вновь стали востребованы и засверкали новыми гранями идеалы античности, ранее отвергаемые церковью как языческие. Изменения шли и во всех аспектах театральной жизни: появлялись новые жанры, формы, театральные профессии, менялись и принципы театрального искусства. Несмотря на подъем искусства в Италии театр здесь не достиг таких высот, как изобразительное искусство или архитектура, которая все же отложила отпечаток на развитие театра: наряду с традиционными античными театрами строились и новые, совмещающие сцену и зрительный зал. Появление полноценных зданий с крышей расширило возможности театра: в постановках стали по-новому использовать музыку, свет, декорации, а это привело к становлению и бурному развитию новой театральной формы - классической оперы.
 |  |  |
|---|---|---|
 |
В Италии зародившееся оперное искусство пользовалось большим успехом.
Драматургия античных авторов изучалась очень детально. Однажды у профессора университета Помпония Лето (1427- 1497), затем основавшего "Римскую академию", члены которой стали последовательными приверженцами античности, впервые античные комедии были прочитаны в лицах. Позже появилась мода разыгрывать эти комедии на латинском языке.
 |  |  |
|---|---|---|
 |  |  |
 |  |  |
 |  |  |
 |  |  |
 |
Однако театр все же обрел новые зрелищные формы. Развитие шло в двух направлениях: ренессансной "ученой комедии" и народной комедии-импровизации - "комедии дель арте".
В "ученой комедии" театр Ренессанса обрел полноту жизни. Из названия понятно, что в ней прослеживалась прямая связь с античностью, но идеология гуманизма внесла свои коррективы, поскольку пьесы писались учеными-гуманистами. Первая "ученая комедия" была написана Лудовико Ариосто (1474-1533). Ее действие разворачивалось во времена античности, присутствовали те же персонажи с типическими характерами, сохранились некоторые особенности древнеримской комедии: деление на акты, динамическая роль слуг. В произведениях присутствовали яркие и живые сцены, колоритные детали, но язык изменился на литературный. Теоретиками были разработаны принципы профессионального сценического театра. Осмысление канонов драматургии стало важной тенденцией становления нового театра.
Сначала постановки "ученой комедии" имели оглушительный успех. Лучшими образцами "ученой комедии" являются произведения известного политического деятеля и писателя Никколо Макиавелли (1469-1527) "Мандрагора" и "Каландрия", которые произвели прорыв в итальянской драматургии. Эти пьесы были полны новеллистическими чертами, их сюжет был построен на семейных коллизиях, характерных для итальянского общества. Ренессансный реализм громко заявил о себе.
 |  |  |
|---|---|---|
 |  |  |
 |
 |  |  |
|---|---|---|
 |  |
С возрастанием феодально-католической реакции появилась необходимость сатирического аспекта в комедиях. Из комедий исчезла веселость и карнавальность, возросли сатирические тенденции. Пьетро Аретино (1492-1557) стал одним из авторов, осмелившихся критиковать в своих пьесах папство, персонажи его комедий были взяты из реальной жизни, а реплики были острыми и меткими. Также очень ярким произведением в этой области является комедия «Подсвечник» Джордано Бруно.
 |  |  |
|---|---|---|
 |  |  |
 |  |  |
Наряду с "ученой комедией" продолжали существовать трагедия и пастораль. Ренессансной трагедии не удалось достичь вершин античности.
 |  |  |
|---|---|---|
 |  |  |
 |  |  |
 |  |  |
 |  |  |
 |  |  |
 |  |  |
 |  |
Одновременно с этим заявила о себе комедия дель арте, или комедия масок, которая стала подлинным выразителем идей народной культуры.
Комедия дель арте, или комедия масок, возникла в середине XVI в., впитав в себя элементы фарса, пародии и частично "ученой комедии". Название этого театрального направления определило то, что персонажами комедии стали типические образы-маски, исключающие индивидуальные черты характера героев. Одна и та же маска закреплялась за актером раз и навсегда. Количество масок, которые присутствовали в комедии дель арте, достигало сотни. Это было связано с тем, что у комедии дель арте было несколько центров, главные из которых - Венеция и Неаполь. В связи с этим сложились две группы масок-персонажей, которые друг от друга кардинально не отличались: так, в состав венецианской группы входили Доктор, Панталоне, Бригелла и Арлекин; а Ковьелло, Пульчинелла, Скарамучча (вариант северной маски Капитана) и Тарталья - маски южной группы (неаполитанской). Помимо персонажей, надевающих маски, существовали персонажи без масок - это девушки-дзанни Изабелла и Коломбина, старики, слуги, влюбленные, а также "благородные дамы и кавалеры". Северная группа работала в жанре сатиры, южная использовала буффонаду и трюки, что и откладывало свой отпечаток на стиль исполнения.
У каждой маски был свой определенный костюм, особенно великолепными были костюмы влюбленных. Их реплики были взвешенны и просчитаны. Пожалуй, это единственная категория, которая фиксировала текст, отказавшись от импровизаций.
Представление являло собой импровизацию и сценария не имело. Оно наполнялось репликами по ходу действия, в постановках комедии дель арте актеры внимательно следили за репликами партнеров. Такой метод работы постепенно привел к профессионализму.
Комедия масок вырастила целую плеяду прекрасных артистов. Несмотря на то что роли продолжали исполнять мужчины, были сделаны послабления для женских образов, и появились первые артистки. Со второй половины XVI в. труппы стали гастролировать по всей Европе. Популярность была ошеломляющей. Однако к середине XVII в. комедия дель арте постепенно пришла в упадок.
 |  |  |
|---|---|---|
 |  |  |
 |  |  |
 |  |  |
 |  |  |
 |  |  |
 |  |  |
 |  |  |
 |  |
В XVI в. сформировался театр в Испании. Монархические основы, засилье католичества и освободительные войны отразились на театральном действе. Этим объясняется сохранение религиозного средневекового театра, основным жанром которого стал ауто - поджанр драмы, род религиозно-аллегорических одноактных драматических представлений на библейские и евангельские сюжеты. Спектакли разыгрывались на празднике Тела Христова.
Испанскими авторами обычно становились священнослужители, что не мешало им писать и светские пьесы. В произведениях испанского Ренессанса преобладали плутовские сюжеты, комедии положений с любовной интригой. Первым автором, начавшим работать в рамках светского театра, стал Хуан дель Энсина (1469-1534).
История испанского ренессансного театра начинается с Лопе де Руэда (между 1505/1510-1565), который был и актером, и драматургом.
Следующий этап связан с именем Мигеля Сервантеса де Сааведра (1547-1616). Его драматический опыт не велик. Пьесы представляли собой драматизированный эпос. Развитие испанского театра шло стремительно, и каждое из имен вошло в историю театра и драматургии.
Наиболее значимым автором испанского Ренессанса стал Лопе де Вега (1562-1635).
Он создал более 2000 пьес, разных по жанру и сюжетной линии. До нас дошли около 450, к ним относится: "Фуэнте Овехуна", "Учитель танцев", "Собака на сене", "Валенсианская вдова", "Девушка с кувшином". В этих пьесах отражаются ренессансное мировоззрение с его жизнелюбием, гуманистические тенденции.
Лопе де Вега стал реформатором испанского театра, создав принципиально новый тип сценического представления - так называемую "новую комедию". Его сюжеты взяты из фольклора и литературы, истории и Священного Писания, из романсов и итальянских ренессансных поэм и новелл, из античных мифов и житий святых. У драматурга была уникальная способность - видоизменять однажды придуманное. Этим объясняется его творческая плодовитость.
Продолжателем традиций ренессансной драматургии и творчества Лопе де Вега стал Тирсо де Молина (1571-1648). Его перу принадлежат более 400 пьес, до нас дошли около 90.
Популярность ему принесла комедия "Севильский обольститель, или Каменный гость". Она была переведена на многие языки мира. Он стал создателем образа Дон Жуана. Комедии Тирсо де Молины отличаются острым и смелым юмором и сильными женскими образами, воплощенными в пьесах "Мари-Эрнандес", "Ревнивая к самой себе", "Галисийка" и "Благочестивая Марта", в библейской драме "Месть Фамари". Пьесы Лопе де Вега и Тирсо де Молина до сих пор не сходят с театральных подмостков и вызывают наслаждение зрителей остроумием, яркими характерами героев, запутанной интригой.
Драматургом, который завершает этап развития ренессансной драматургии в Испании, стал Дон Педро Кальдерон де ла Барка (1600-1681).
Им создано около 200 драматических произведений, в том числе наиболее известные "Дама-невидимка", "Стойкий принц", "С любовью не шутят", "Любовь после смерти", "Жизнь - это сон". В его драматургии уже ясно проявились все черты и тенденции Возрождения. Ему заказывали пьесы для придворного театра, к его услугам были лучшие музыканты и сценографы. Позже, став терциарием ордена св. Франциска, он перестал писать светские драмы и перешел на сюжеты, заимствованные из Библии и Писания. Условно его драмы можно разделить на философские, драмы чести и комедии интриги.
Вершиной театра Возрождения стал английский театр. Характерно, что в Англии из всех искусств высокого развития в эту эпоху достиг только театр - один за другим открывались публичные общедоступные драматические театры ("Глобус", "Куртина", "Роза", "Лебедь", "Фортуна" и др.). Имя английскому театру этой эпохи создали К. Марло и У. Шекспир.
Родоначальником ренессансной дамы стал Кристофер Марло (1564-1593). Он получил философско-богословское образование, но страсть к театру была сильнее. Как драматург он писал преимущественно исторические хроники, причем белым стихом. В его пьесах "Тамерлан Великий", "Трагическая история доктора Фауста", "Эдуард Второй" английская монархия видела угрозу. Был отдан приказ о его физическом устранении.
Имя английского драматурга Уильяма [Вильяма) Шекспира (1564-1616) навеки вошло в мировую драматургию. Он стал создателем нового европейского театра. Этот расцвет связан с "елизаветинской" эпохой, все перипетии которой нашли отражение в творчестве Шекспира. Пьесы Шекспира отличает философское осмысление характеров и образов. Он стал автором трагедий, комедий и хроник, известных всему миру. Многие актеры и сегодня мечтают воплотить на сцене образы героев Шекспира.
Свой творческий путь Шекспир начал с хроник. Они отражали становление национального государства и национальную историю. Его хроники образовывали два цикла. Первый цикл отражает нравственные проблемы в семьях монархии. Ключевая фигура - Ричард III. Второй цикл рассказывает о становлении национального государства. Проблемы, которые были поставлены в фабуле каждого произведения, очень актуальны и по сей день. Комедии автора ("Укрощение строптивой", "Комедия ошибок", "Сон в летнюю ночь" и др.) не были сатирическими в классическом смысле. Они наполнены жизненной силой, верой в лучшие человеческие чувства и качества, при этом в них осмеивались пороки, глупость и т.д. Смех в комедиях Шекспира рождался от ощущения полноты жизни, красоты, изменчивости и т.д.
Особое место в творчестве Шекспира занимают трагедии. "Ромео и Джульетта", "Гамлет", "Король Лир" и "Отелло" стали шедеврами мировой драматургии. Все произведения эпохи Возрождения были нацелены на показ достойной личности, на открытие лучших качеств в ней.
Профессиональные театры и актеры стали появляться во второй половине XVI в. Все театральные представления подвергались строгой цензуре. Лондонские театры создавались на особой территории, на южном берегу Темзы. В 1599 г. был создан театр "Глобус", который стал известен благодаря творчеству Шекспира. Над входом - крылатые слова: "Весь мир - театр" ("Totus mundis agit histrionem"). Он, будучи и драматургом, и режиссером, и актером, сумел синтезировать все лучшее, что было создано театральным искусством предшествующих периодов. Театр Шекспира стал моделью и образцом, в котором были отражены вечные проблемы, стоящие перед человеком и обществом. Его пьесы помогали зрителям распознавать моральные ценности и человеческие пороки.
Театр стал неотъемлемой частью национальной английской культуры. Был доведен до совершенства английский литературный язык. Значительно расширился драматический репертуар. Параллельно с трагедиями продолжали ставиться оперные баллады, фарсы. Театральный реквизит был очень примитивным, а декорации практически отсутствовали. Из-за отсутствия деления пьесы на акты Шекспир создал свою систему организации действия, которая заключалась в расположении декораций и передвижении актеров на сцене. Передняя часть сцены - партер - вклинивалась на треть в зрительный зал, задняя часть отделялась раздвижным занавесом, на передней площадке проходило основное действие, а для особого выделения определенных сцен предназначался балкон.
В эпоху Возрождения драма не ассоциировалась с литературой - все, что создавал драматург, было предназначено исключительно для театральной постановки. Драматические произведения не публиковали. Долгое время авторство драмам не присваивалось. Во время репетиций авторский текст претерпевал изменения. Однажды продав свою рукопись, драматург не претендовал на авторство своего произведения.
 |  |  |
|---|---|---|
 |  |  |
 |  |  |
 |  |  |
 |  |  |
 |  |  |
 |  |  |
 |  |  |
 |  |  |
 |  |  |
Лондонские театры славились смешанным репертуаром, что позволяло давать спектакли на любой вкус. Но обычно в каждом театре перед началом представления играла музыка, завершалось представление тоже песнями и танцами. Именно в этот период в английском театре вырабатывался индивидуальный стиль и создавались профессиональные актерские труппы. Число актеров в театральной труппе эпохи Шекспира обычно было от 8 до 12 человек. При каждом театре были свои драматурги. В театры приносили большое количество рукописей, которые проходили жесткий отбор. Эта процедура была возложена не только на коллектив театра, но и на главного цензора. Женские роли исполнялись мужчинами, но иногда выступать на сцене разрешалось и женщинам, однако при этом актриса должна была быть готова к порицанию со стороны общества. Часто в английские труппы принимали актеров из других стран.
В английском театре уделяли большое внимание красочности костюмов - актерские костюмы стоили так дорого, что порой их стоимость превышала авторский гонорар за пьесу.